Cualquiera que haya tenido la oportunidad de ver de cerca el techo de la capilla debe haber notado dos cosas. Uno, ese techo es alto y ciertamente está lleno de muchas pinturas. Es difícil imaginar que un artista fuera capaz de hacer todo eso en menos de cinco años y, en cierto modo, este conocimiento trae a la mente la imagen de Miguel Ángel mientras yacía de espaldas y trabajaba duro de un año para otro. No hay duda de que sabía que su techo se convertiría en uno de los más importantes de la historia, pero, de nuevo, Miguel Ángel era un artista extremadamente talentoso.
Al principio, el pintor recibió instrucciones de pintar una especie de símbolo geométrico para reemplazar el techo de la capilla entonces azul que estaba salpicado de estrellas. Esto fue en 1508 cuando Miguel Ángel estaba bajo la comisión del Papa Julio II. En cambio, el artista eligió decorar el techo con las escenas del Antiguo Testamento que el mundo conoce y aprecia hoy.
Descripción de los Frescos
Los frescos son más que simples decoraciones destinadas a impresionar la vista. Estas escenas cuentan una historia: la historia de la humanidad desde el principio. Cuentan la historia que existía antes de que aparecieran todas las demás: la historia de la creación. Divididas en tres secciones, las escenas están ordenadas cronológicamente con la primera parte de la narración pintada sobre el altar. Aquí, uno encontrará tres pinturas: La creación de los cielos y la tierra, La creación de Adán y Eva y, por último, La expulsión del jardín del Edén. Miguel Ángel luego sigue sin esfuerzo con una pintura de Noé y el Gran Diluvio.
Cuenta la misma vieja historia al mundo, pero el pintor captura más en sus frescos de lo que cualquiera podría imaginar. Al usar ignudi (juventud desnuda) para representar su mensaje, Miguel Ángel predica el mensaje del nacimiento de Cristo y encuentra una manera de relacionarlo con la creación del hombre.
Las técnicas utilizadas
La mayoría de sus pinturas tienen detalles narrativos, ya que muestran múltiples figuras, todas pintadas en tamaños pequeños. Esto hace que un fresco en particular se destaque del resto: La creación de Adán. En este fresco, las figuras son monumentales mientras se extienden para encontrarse a través de un vacío. El hecho de que se diferencie del resto podría ser lo que distinga al cuadro del resto, pero a pesar de que carece de narrativa, el detalle en este cuadro sigue siendo sobresaliente. La pintura de Miguel Ángel de El diluvio incluye muchos más detalles. Aquí, pinta el cielo y las aguas y utiliza el espacio que tiene a su disposición para retratar cuatro narrativas.
La pintura muestra a un grupo de personas que intentan evitar la lluvia refugiándose debajo de un objeto improvisado. En el lado izquierdo hay más personas que están subiendo una montaña para tratar de escapar de las crecientes aguas. En el centro de la imagen hay un barco que parece ser superado por el poder combinado de la lluvia y el mar embravecido. Sin embargo, en el fondo de esta imagen está la salvación mientras un pequeño equipo trabaja para completar la construcción del Arca. Esta imagen muestra la tragedia, pero hay un solo rayo de esperanza para el futuro del hombre. Los que están a punto de morir están desesperados y piden la simpatía de un observador.
La imagen hace que uno reconsidere la justicia de Dios cuando recurrió a borrar el mundo entero para que pudiera comenzar de nuevo. Pero al salvar a Noé y su familia, Miguel Ángel pinta la salvación de Dios en su verdadera forma. Hay otro detalle que queda claro cuando se observa de cerca el techo de la Capilla Sixtina. Es como si hubiera dos secciones diferentes que fueron pintadas por dos artistas diferentes. Probablemente esto se deba a que, durante su trabajo, Miguel Ángel tomó un descanso de un año en 1510. En imágenes como El diluvio, podemos ver que la gente está muriendo en una inundación, pero es difícil para uno distinguir su estado emocional. Al pintar un grupo de personas en un espacio reducido, Miguel Ángel sacrificó cualquier conexión que pudiera haberse forjado entre un observador y esos personajes en su pintura.
Su trabajo posterior utiliza figuras más monumentales que tienen rostros claros y rasgos claros, lo que facilita que las personas se conecten con las pinturas. Tomando la Creación de Adán, por ejemplo, encontramos que podemos distinguir el rostro de Adán como perezoso y relajado con una leve sensación de anhelo. También podemos distinguir el rostro de Dios como serio, como si estuviera trabajando duro para hacer su creación. Se puede percibir esto incluso desde el suelo de la capilla. Hay un pequeño detalle, pero en realidad, la superioridad del trabajo de Miguel Ángel después de su descanso radica en la simplicidad que llegó a emplear.
La conexión observable en sus pinturas
Las pinturas se centran en la historia que se ha contado en el libro del Génesis, pero hay formas que se han interpretado para retratar la imagen del niño Jesús. En la creación de Adán, esta figura de niño se ha incluido para significar que incluso si el hombre es creado a imagen y semejanza de Dios, todavía hay lugar para el pecado y que Dios previó este pecado. Los frescos conectan el Antiguo Testamento con el Nuevo Testamento de una manera que nunca antes se había hecho. Miguel Ángel encontró una manera de poner esta conexión en el arte. Encontró una forma completamente nueva de presentar las escenas de la Biblia, incluida la idea de que Adán cobró vida con el simple toque del dedo de Dios.
En un orden atento, el pintor narra en silencio la historia de Adán desde la perfección que fue durante la creación hasta el pecador en el que se convirtieron sus hijos después de la caída de la humanidad. Hay nueve pinturas narrativas en este techo, pero la perspectiva utilizada en los sujetos está en un punto en el que si uno mira lo suficientemente de cerca, casi puede ver la figura que se eleva desde la pared del techo. Los personajes utilizados son antiguos, sí, pero después de ver estas imágenes, los observadores salen al mundo real con vívidas imaginaciones de lo que fue y lo que es.
Miguel Ángel abrió la brecha entre la inocencia pasada, la pecaminosidad presente y la redención futura de la humanidad, haciendo que todo parezca una historia continua cuando, de hecho, se realizó en siglos. Es posible que la mente del pintor no extrapoló tan lejos cuando estaba trabajando en el techo, pero la idea parece encajar tanto que uno no puede evitar imaginar lo que estaba pensando Miguel Ángel: imagine cómo el mundo interpretaría su final. obra maestra.
¿Cuál fue la motivación de Miguel Ángel?
No está claro qué lo inspiró a pintar el techo, de hecho, se podría decir que Miguel Ángel no estaba inspirado cuando comenzó a decorar la Capilla Sixtina. El Papa Julio II prácticamente lo obligó a hacerlo, por lo que, en cierto modo, el Papa fue su inspiración. El país durante ese tiempo había sido destruido por la guerra, y en un intento por unir a la gente una vez más, el Papa consideró oportuno que se pintaran el techo y las paredes de la capilla. El techo estaba destinado a inspirar la servidumbre divina, por lo que, utilizando el poder otorgado a la iglesia, el Papa encargó a Miguel Ángel que pintara 12 frescos que mostraban imágenes de los 12 apóstoles de Cristo.
Se suponía que estos apóstoles estaban pintados de forma geométrica. El pintor no se inspiró en este encargo original, por lo que propuso que se pintaran las escenas de la historia de la creación del Antiguo Testamento. Sabía que los apóstoles de Cristo habían llevado una vida pobre y, por lo tanto, dudó en pintarlos en las glorias del mundo. A este pintor le gustaban los desafíos, y para él, pintar 12 figuras en un espacio tan grande no representaba un gran desafío. En su lugar, optó por pintar las aproximadamente 300 figuras complejas que ahora dominan el techo de la capilla.
Se dice que varias personas, incluido el primo del Papa, Marco Vigerio Della Rovere, inspiraron el diseño del techo de la Capilla Sixtina, pero esto es solo una teoría. Al entrar en la capilla, las imágenes del ascenso de la humanidad están pintadas al revés. Esto se ha interpretado en el sentido de que a medida que uno se acerca al altar, se acerca a la gloria de Dios, se acerca a su salvación.
En la entrada, uno puede ver a Noé en su embriaguez, y en el altar, uno puede ver a Dios mientras separa la luz de la oscuridad. Cuando un observador camina hacia el altar, la historia se cuenta al revés, y en el mismo centro del techo se puede ver a Dios mientras da vida al primer hombre, Adán. Pintar estos frescos dañó permanentemente la columna vertebral de Miguel Ángel y, si bien podría haber sido fácil para él pintar las figuras, debe haber sido difícil para él darles a estas figuras la voz que todavía posan hasta el día de hoy.
El orden inverso en el que están pintados los frescos es, en cierto modo, simbólico. Ir hacia el altar es ir hacia Dios y el surgimiento de la humanidad, pero alejarse del altar y regresar al mundo exterior representa un caminar que conduce a la pecaminosidad y eventual caída de la humanidad.
El estilo utilizado
Los colores de alta clave utilizados por el pintor son extremadamente útiles para cualquiera que desee descifrar el contenido de la Capilla Sixtina desde 60 pies más abajo. Los colores ahora son atrevidos y brillantes en comparación con como eran antes de que se restaurara el techo. Hay un fondo blanco generalizado que resalta los amarillos, los rosas y los verdes que el pintor usó para dar vida a sus personajes. El uso de profetas y sibilas antiguas se ha interpretado de diferentes maneras a lo largo de los años.
Las sibilas predijeron el nacimiento de un salvador en la antigüedad, pero para el cristiano moderno, los profetas antiguos del Antiguo Testamento predijeron el nacimiento de Cristo. Miguel Ángel usó sibilas y profetas para señalar la misma salvación que se otorgaría a toda la raza humana. Pinta una Sibila en particular de una manera interesante, Libyan Sibyl. Se la hace aparecer en forma de escultura, al igual que todos los personajes que retrató este artista. El cuerpo de esta sibila está algo retorcido mientras se sienta sobre una prenda mirando por encima del hombro hacia el altar. Su imagen parece encajar perfectamente en el entorno en el que se ha colocado.
Hay paneles triangulares que se colocan a los lados de los paneles de la capilla central. Dentro de estos paneles triangulares hay figuras que representan a los antepasados de Cristo. Separando estos paneles hay representaciones de cinco sibilas y los siete profetas. Las cuatro esquinas de la capilla muestran cuatro escenas inspiradas en el Antiguo Testamento. Una vez que terminó de pintar la borrachera de Noah, Miguel Ángel volvió a mirar las imágenes y, al darse cuenta de que no eran tan imponentes como pretendía, optó por hacerlas más grandiosas. Entonces, mientras uno camina hacia el altar, las imágenes se hacen cada vez más grandes. Su obra es religiosa en todos los frentes. Las pinturas, especialmente el profundo sentido de emoción evidente en algunos de los rostros del personaje, son una prueba de la piedad de Miguel Ángel.
Finalmente llegó el Juicio Final que Miguel Ángel creó 20 años después de haber terminado todas las demás pinturas del techo. Esta última imagen está ubicada en la pared del altar de la Capilla Sixtina, y comparando cómo se hizo con cómo se hicieron aparecer todas las demás imágenes, uno puede comenzar a comprender por qué los observadores no le dan mucha importancia. El talento empleado en esta imagen es igualmente sobresaliente, pero el Juicio Final conlleva un concepto de desolación. Esta pintura muestra la segunda venida de Cristo, y aunque la inspiración proviene de la Biblia, el artista usó su vívida imaginación para crear la imagen radiante llena de santos y ángeles. Esta pintura muestra el fin último de la raza humana después de siglos de pecado y desobediencia.
La razón por la que la mayoría de los observadores lo han considerado una muestra de desesperanza es que se ve que Cristo está sumergiendo a la mayoría de las personas en los malditos fuegos del infierno, y solo unos pocos se están elevando al cielo. Algunas figuras se acobardan ante el hijo de Dios mientras éste dicta su juicio final. Las imágenes son algo inquietantes y muy realistas, ya que San Bartolomé alarga su piel y San Andrés sujeta la cruz en la que fue crucificado.
Miguel Ángel fue para el arte lo que Shakespeare fue para la literatura. Estos dos personajes de la historia representaron nuevas ideas. El pintor trató de impulsar una nueva idea de lo que debía ser. A través de estas imágenes, la cosmovisión religiosa que tenía se vuelve clara para el mundo. Miguel Ángel pintó no para cegarnos a su perspectiva, sino para darnos un vistazo a su mente, al mundo que imaginaba. Pintó y dejó su obra libre de interpretación, dando a cualquier observador la oportunidad de beber de esta maravillosa creación y sacar sus conclusiones.
Desde la entrada de la capilla, el pintor nos muestra una visión de cómo fue para un hombre encontrarse con el toque de Dios durante la creación. Él nos muestra esto de una manera audaz y enérgica, usando imágenes de antiguos profetas y videntes para incluir el concepto del futuro. Mirar el techo de la Capilla Sixtina es mirar directamente a lo divino, no a través de los ojos de Miguel Ángel, sino a través de los de cada ser humano jamás creado. Estas pinturas no están limitadas por lo que se ha predicado, van más allá de las reglas que se han establecido sobre la religión y expresan plenamente una idea de Dios que la mayoría de la gente no se atrevería a imaginar.
Más de 500 años después, el mundo moderno sigue asombrado cada vez que miramos la creación de Miguel Ángel. Después de que se limpió la capilla, se expuso la verdadera complejidad de la paleta del artista y, desde entonces, la Capilla Sixtina se ha convertido en una escuela e inspiración para todos en todo el mundo. A los 33 años, este artista comenzó involuntariamente en esta comisión para pintar la capilla privada del Papa solo para que se convierta en lo mejor que haya creado. Para un escultor que insistió en que no era pintor, el trabajo que hizo en el techo de la Capilla Sixtina se acerca tremendamente a la perfección.
El período de 1508-1512 representó un momento clave en la carrera de Miguel Ángel cuando se dispuso a construir una serie de frescos en el techo de la Capilla Sixtina. Esta monumental tarea debía completarse con una creatividad y técnica tan inmensa que el propio artista se convertiría en un nombre familiar a partir de entonces. Ciertos elementos específicos de la pieza en general se consideran obras maestras por derecho propio, y verlos todos juntos es realmente extraordinario. La popularidad de la obra de Miguel Ángel también se demuestra en el hecho de que fue invitado a regresar algunos años más tarde para completar la pintura El Juicio Final que se encontraba en la pared del altar, cerca de su obra anterior. Miguel Ángel era un artista con una gran confianza y habilidad técnica que era necesaria para aceptar una solicitud tan desafiante, que había venido del Papa Julio II.
Las complejas combinaciones de figuras en el techo han ayudado a muchos artistas en ciernes a comprender las verdaderas habilidades del artista para capturar el cuerpo humano de diferentes maneras. Su comprensión de la anatomía fue impresionante y necesaria para producir retratos tan realistas y creíbles. Todo el trabajo de Miguel Ángel en el techo tiene ahora más de 500 años, por lo que ha sido muy necesario proteger continuamente los frescos y el trabajo de yeso de todos los elementos naturales, así como de los entusiastas turistas que han acudido en masa a la Capilla durante siglos.
También se han realizado trabajos de restauración en las últimas generaciones para eliminar los efectos de oscurecimiento de los elementos naturales que nunca se pueden evitar por completo. La naturaleza de esta gran obra de arte también significa que es más difícil de cuidar que una pintura o escultura estándar de tamaño normal. El arte dentro de la Capilla Sixtina, que también incluye obras de muchos otros artistas italianos notables, subraya la riqueza y el estatus del Papa y del cristianismo mismo en ese momento. En pocas palabras, podría atraer y pagar encargos con los mejores artistas de esa época y Miguel Ángel estaba claramente en la parte superior de esa lista.
